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viernes, 29 de septiembre de 2017

De mediodía al atardecer

Todos los fotógrafos sabemos que hay unas horas del día que son las mejores para fotografiar. Si lo que estás fotografiando es un paisaje, hacerlo en esas horas mágicas es casi obligatorio. Me estoy refiriendo a la hora dorada y a la hora azul. Otro día os hablare de ellas con mas detalle, y lo que es más importante, de cómo saber a que hora ocurren...

Lo que sucede es que a veces estás en un sitio que te gusta a una hora concreta (pongámonos en el peor de los casos: a mediodía), y no vas a estar ahí al atardecer, que es cuando te gustaría estar. Está claro que si has ido ahí a hacer esa foto de manera premeditada, esto no ocurrirá, pero si vas con la familia y ves el lugar, va a ser casi imposible convencerles de que deben volver por la tarde al mismo sitio... ¿Qué haces entonces? ¿Renuncias a la fotografía? Yo te propongo que la hagas y que confíes en el postprocesado para conseguir la imagen que buscas.

Supongamos que un 5 de junio, a las 12 del medio día, pasas por Hita, el pueblo del Arcipreste, y te encuentras esta imagen:

En mi caso, ese día, y a esa hora, paré el coche, me metí entre las amapolas e hice la fotografía. De hecho es la que presenté en uno de los concursos sociales del año pasado (libre-Color).

Con el tiempo he estado investigando en cual sería la mejor manera de dar a ese cielo la calidez que tendría en el atardecer. No se si es la mejor, pero yo utilizo una forma bastante sencilla para conseguir esto:

Para conseguir esta segunda imagen tenemos que utilizar dos trucos de procesado: los objetos inteligentes de Photoshop y las máscaras de luminosidad. En primer lugar, a partir de la foto original y utilizando Lightroom, hacemos el revelado de la fotografía, poniendo especial interés en lo que no es cielo (que es lo que vamos a transformar). De hecho, podemos quitar saturación del color azul, para que el efecto quede más realista. Una vez que hemos revelado la fotografía la abrimos como objeto inteligente en Photoshop. Esta será nuestra imagen de fondo.

Antes de obtener el cielo rojizo, necesitamos crear una máscara de luminosidad, con la que seleccionar el cielo. Podéis elegir cualquier otro método, pero sinceramente, las máscaras de luminosidad funcionan estupendamente. Si no sabéis cómo se hacen, la cosa es sencilla. Os vais a la pestaña de "Canales" y hacéis Cmd+click en en canal RGB (Ctrl+click si tienes un PC). Con la selección que hace esa acción, creáis un canal nuevo, haciendo Alt+Click en el símbolo de nuevo canal (un rectángulo con un circulo dentro). Ponedle un nombre reconocible como "Luces". Podéis generar más máscaras de luminosidad que se centren en cosas cada vez más luminosas haciendo Cmd+Shift+Alt+Click en ese canal y guardando la selección en uno nuevo. Cada vez que hagáis esto generaréis un nuevo canal que os permitirá seleccionar luces cada vez más altas, dejando fuera las que no lo son tanto. Para este ejemplo, me bastó con crear el primer canal de luces.

Para dar el color rojizo al cielo, creamos una copia de la capa que tenemos en Photoshop. Para que sean independientes, pinchamos con el botón derecho en la capa y seleccionamos "Nuevo objeto inteligente mediante copia". Una vez generado, pinchamos con el botón derecho en la nueva capa y seleccionamos "Grupo a partir de capas". A continuación hacemos cmd+click en el canal de luces, para tomar la selección y teniendo seleccionada la carpeta del grupo, creamos una nueva capa, que se llenará con el contenido del canal. Con esto, todo lo que hagamos a ese grupo, que de momento sólo tiene el segundo objeto inteligente, solo afectará a las luces de la fotografía.

A partir de aqui podeis enrojecer el cielo como querais. Yo utilizo dos elementos: en primer lugar pincho dos veces sobre el nuevo objeto inteligente y le subo la temperatura de color. Además, le añado una capa de "Filtro de fotografía" (que se queda dentro del grupo que he creado), y le pongo un filtro caliente con un valor alto. Pongo una mascara de capa tanto en el objeto inteligente como en el filtro de fotografía, y con un pincel negro con la opacidad al 10% voy eliminando el color naranja de donde menos me interese: en este caso, las amapolas y la zona verde, al menos en parte, aunque dejo la carretera con ese toque cálido de la temperatura de color alta. Con esto tendríamos la segunda imagen terminada.

Como todo, estos procesos terminan teniendo una componente muy personal, así que, ponte manos a la obra y prepara tu método particular a partir de este, con los procedimientos que más te gusten.

martes, 12 de julio de 2016

Engañando a nuestro cerebro: Blanco y Negro visto en Color

Hace unos días me encontré con un post en uno de los blogs que sigo habitualmente que presentaba una ilusión óptica que me dejo pensativo... El caso es que me dicen que la cosa es muy vieja, pero yo no la conocía, al menos en este "formato".

El asunto es que si ves una fotografía con los colores invertidos, cuando pasas a verla en blanco y negro, durante unos instantes eres capaz de verla en el color real, aunque esa imagen (la de color real) no esté en ningún sitio... Como soy curioso por naturaleza pensé en comprobarlo por mi mismo, y descubrí algunas cosas interesantes.

La primera es que si la foto original tiene mucho rojo, la cosa no funciona tan bien. Probé con una foto llena de amapolas, y los colores que se llegan a ver son una especie de rosa pálido. La segunda es que todo funciona mucho mejor si la habitación en la que ves el video está a oscuras.

Con estas ideas en la cabeza, me busqué una foto que tuviera verdes y azules mayoritariamente y me decidí por esta de un pequeño faro en Holanda:

Invertí los colores de la foto y le pude un punto rojo en el centro, para que tengas algo a lo que mirar:

y generé una foto en blanco y negro para ver después de la foto con los colores invertidos:

Y con todo ello hice este sencillo video para que veas como vuestro cerebro también juega con vosotros, Si que la experiencia sea mas intensa, ponedlo a pantalla completa (el video es Full HD), y dejad la habitación a oscuras (no hace falta que sea totalmente). No he puesto ningún tipo de música, para no distraer al espectador. Espero que disfrutéis de la experiencia.

martes, 8 de septiembre de 2015

Transfiriendo fotos a madera

Hace algún tiempo leí una entrada de un post que, lamentablemente, ha desaparecido de la red. Como hago con muchas páginas que me gustan, tenía su enlace en un archivo de páginas a revisitar de vez en cuando, para buscar nueva inspiración. Eso me ha motivado a preparar una entrada para contaros este proceso que, os aseguro, genera unos resultados más que interesantes.

¿Qué necesitamos?

En primer lugar, una foto. Parece una perogrullada, pero necesitaremos una fotografía que quede bien una vez que la transfiramos. Para esto nos tendremos que dejar guiar por el instinto, pero seguro que pronto encontráis una adecuada en vuestro archivo. Yo voy a utilizar estas dos, porque me interesa preparar un díptico. Como veis son fotos que ya he procesado en monocromo, con un viraje a sepia. Si la foto funciona en estos tonos, tenéis un buen porcentaje de éxito asegurado.

En segundo lugar, una impresora láser. ¿Láser?. Si. Una impresora en blanco y negro, porque la foto que vayamos a transferir la imprimiremos en una hoja de papel normal con una impresora láser, ya que serán las partículas del tener lo que se quedará fijado en la madera.

La madera en la que transferiremos la fotografía: en mi caso, voy a utilizar dos cuadrados de madera de 19 x 19 cm. Como veis, he imprimido en papel la fotografía invertida respecto un eje vertical, ya que la foto se transferirá invertida. Lo mejor es imprimir las fotos un poco más grandes que la madera, para que la imagen nos quede transferida "a sangre". Aunque aquí no se ve, en experimentos previos en los que la imagen no iba de borde a borde, la zona no impresa queda un poco rara...

Gel medio o un producto específico para transferir fotos. El Gel medio lo podéis encontrar en tiendas de manualidades (en Guadalajara lo he visto en Arte Ges). Antes de verlo allí, encontré este producto en "Anjaná", una tienda de manualidades que hay en la plaza Virgen de la Antigua, 20 (detrás del mercado), y funciona bastante bien. También necesitaréis una brocha para repartir el gel medio y una tarjeta o algo fuerte y liso para fijar bien el papel a la madera.

Por último, una lata de cera y un trapo viejo, para el acabado. En este caso la he elegido con un toque de color nogal, aunque las hay mas rojizas, de sapeli, o naturales.

Una vez impresa la foto, os recomiendo que recortéis la imagen lo máximo posible, como para que nos queden dos o tres milímetros fuera de la madera. Si no hacéis esto, cuando el papel se humedece con el gel medio es muy difícil de manejar al tener partes fuera de la madera que no se han humedecido. Con esto esas partes son muy pequeñas y no se nos hará difícil su control. Repartimos el gel medio por la madera, de forma generosa, con la brocha, y pegaremos la hoja, teniendo mucho cuidado de que no se formen arrugas ni queden burbujas. Para eso nos ayudaremos con los dedos y con la tarjeta. Una vez hecho esto, debemos dejarlo secar, ocho o diez horas.

Una vez que esta bien seco, hay que eliminar el papel. Para eso, con una esponja iremos mojando el papel, y con los dedos iremos frotando el papel. El papel va saliendo con mucha más facilidad de la que parecería. Hay que ser constantes y eliminar todo, porque de no hacerlo así, quedará una pátina blanca en la foto cuando se seque, como se ve en el detalle de la foto de la cafetera.

Dejamos secar otra vez, y una vez que estamos seguros de que no queda nada de papel pegado, o queda ya muy poco, recortamos los bordes resecos de gel medio y aplicamos la cera con el trapo.

Al final obtendremos algo así, listo para poder decorar, por ejemplo, nuestra cocina:

martes, 4 de agosto de 2015

Como añadir rayos de sol a una fotografía

Hace algún tiempo encontré este video de youtube en la red, y hay que reconocer que es una técnica curiosa que puede sernos útil en alguna ocasión.

Aunque el video está en inglés, puedes ponerle subtítulos, lo que facilita su comprensión, y si controlas un poco de PS, veras que es una técnica muy fácil con la que puedes conseguir que una foto que tiene un cielo aceptable, como esta:

pase a tener un cielo que es un buen fondo para nuestro primer plano:

Como truco adicional, en el video hay un momento en el que, para modificar los rayos, convierte la capa que estamos utilizando en un objeto inteligente. Si elegís los rayos en la primera pasada, os recomiendo aplicar un poco de desenfoque gausiano. Si lo intentas hacer sobre la capa en la que estamos trabajando, PS te dirá que tienes que rasterizarla. Hazlo y desenfoca un poco esa capa rasterizada. Los rayos serán mucho más realistas que al inicio.

jueves, 6 de septiembre de 2012

Transphoto

Ese es el nombre de la exposición colectiva que este año organiza la Agrupación Fotográfica de Guadalajara. Como nos gusta hacer cosas diferentes cada año, para este caso hemos utilizado todos una técnica basada en imprimir sobre una superficie transferible posteriormente a un papel.

Podeis encontrar toda la informacion sobre la técnica utilizada en http://jellyfishphoto.es/

El castillo de Jadraque

En cuanto a cuándo y donde ver la exposición, el lugar es el Centro Comercial Ferial Plaza de Guadalajara del 6 de Septiembre al 6 de Octubre, en la sala de exposiciones de la 2ª planta. Estará abierta durante el horario de apertura del centro, así que no hay excusas...

martes, 26 de abril de 2011

Como el humo se va...

Ese era el título de la foto del lunes 25 de abril (que tenía una complementaria), y ante las peticiones populares voy a tratar de explicar cómo las hice. Se trata de un experimento para preparar las dos fotos que presentaré para la exposición que la Agrupación Fotográfica de Guadalajara organizará el próximo Septiembre, y que ya os anunciaré aquí, como corresponde...

Primero, las fotos en cuestión:

115/365 Como el humo se va...

Complementaria de la 115/365


Y ahora, las explicaciones...

Vamos a empezar por lo fácil: Ambas fotos son iguales salvo que tienen los colores invertidos y una rotación especular. Eso era lo fácil, porque supongo que ya lo habíais detectado todos. En realidad a la exposición llevaré dos fotos distintas, aunque ambas con este estilo. Una llevará por título RGB y otra CMYK... Supongo que es fácil saber cuál es cuál ;)

Otra aclaración es que la foto es una superposición de tres fotos, de manera que hay tres fotos de volutas de humo diferentes, cada una de ellas coloreadas con un color y luego superpuestas. Con todo esto en la cabeza, veamos como conseguir las volutas, como colorearlas y como superponerlas.

Volutas

El humo es de incienso; una varilla humeante es suficiente para un buen numero de fotos, así que no hay prisa... El único problemas de mis varillas es que generaban un hilo de humo muy fino. Intentare conseguir conos o algo así para las siguientes, a ver si dan algo más de humo.

El fondo es un fieltro negro, puesto a suficiente distancia como para que esté fuera de foco, por si hubiera alguna mota o algo así, y la iluminación es de un único flash puesto a 90º con la cámara y disparado con un disparador radio. El flash debe tener un "snot" que focalice toda la luz en una zona del humo, y que no disperse la iluminación. Sobre todo, no puede iluminar el fondo negro, claro. La gracia es regular la potencia para que el humo aparezca brillante, pero no quemado. Yo he usado un snot casero hecho con un "rectangulo" de carton (de una caja de cereales) lleno de pajitas negras, de esas que son un poco mas gruesas de lo normal, como para mojito...

En cuanto al enfoque, debe ser manual (basta con enfocar de manera automática encima del incienso y luego bloquearlo). Yo he usado una apertura de f 8.0, para que aparezca una parte grande del humo enfocada. Pruebas hechas con un nº/f menor, generaban volutas desenfocadas. A partir de los RAWs, los he contrastado un pelín, pero muy poco. Con eso tenemos ya las tres fotos que vamos a mezclar:






Color

A partir de aquí hay que colorear las imágenes. Esto es lo fácil, aunque no lo parezca: Abrimos una en nuestro programa de ProceSado favorito, añadimos una capa transparente, la rellenamos completamente con el color que queramos usar y ponemos el modo de fusión en luz suave... Et voila... Ya tenemos el humo de colores. Los colores RGB son fáciles: (255,0,0) es Rojo, y así sucesivamente. Los de CMY son igual de faciles: (255,255,0) es el amarillo, etc. Si queremos eliminar parte del humo podemos pintar con el pincel negro en la capa de color, para eliminar lo que sobre o dar al humo la forma adecuada. Finalmente acoplamos la imagen. Esto hay que hacerlo con las tres fotos.




Superposición

Lo siguiente es elegir una foto como base. Yo elegí como base la que tenía más cantidad de humo, para superponer las otras encima. Para ello abrimos las tres fotos, seleccionamos una parte de cada una de las imágenes que abarque todo el humo que queremos copiar, y lo pegamos como una nueva capa en la imagen base (basta marcar un recuadro o la forma que queramos con el lazo y hacer copiar (Ctrl-C) y pegar (Ctrl-V)). Por ultimo ponemos los modos de fusión de las nuevas capas en sobreexposicion lineal y y ajustamos, si es necesario, el nivel de transparencia de cada capa. El resultado final es este:

115/365 Como el humo se va...


Y recuerda, para el fondo blanco, solo hay que invertir la imagen...

sábado, 11 de diciembre de 2010

Revelado por contacto en la pantalla

Hace algún tiempo descubri el trabajo de Antonio Graell sobre lo que el llama "la halurización del pixel" y que podeis encontrar en http://halurizacion.myblog.es/. Por aquello de la curiosidad del investigador profesional, no podía dejar de intentar hacer algo parecido, así que me puse manos a la obra. Antes de seguir, os cuento de que va esto, en las palabras del propio Antonio Graell: Las fotografías expuestas son el resultado de copiar la imagen mostrada en el monitor, una imagen que ha sido previamente manipulada hasta conseguir crear un “auténtico” negativo digital -sustituto de aquellas placas de cristal que se usaban en los albores de la fotografía- que sirva de original del que positivar las copias.

En resumen, hay que manipular una foto para generar un negativo mediante técnicas digitales, que luego positivaremos por contacto. La cosa tiene la gracia de aunar la tecnología digital en la toma de la foto, con la fotografía química de la de toda la vida, en lo que ahora conocemos como "la impresion".

El primer paso fue buscar si había más "locos" que se dedicaran a esto, y me encontré con un par de sitios web en los que hablaban de la misma técnica: http://laptopogram.tumblr.com/, en inglés, y la web de Javier Rayon (http://www.jrayon.net/2009/09/positivado-por-transferencia-de-pixeles/), en español. No era un mal comienzo, pero faltaban algunos detalles básicos como el tipo de papel, los filtros usados (en caso de papel multigrado) y lo mas importante, qué pantalla se ha usado, qué aspecto deben tener los "negativos" y cuánto debe durar la exposición. La unica indicación era algo tan vago como "es mejor usar un portatil, porque así lo puedes tener en el cuarto oscuro", y una referencia a 6 segundos de exposicion en una de las páginas... Tocaba hacer experimentos casi desde el principio.

El papel utilizado ha sido Ilford Multigrado IV, con líquidos " a juego" (vamos, de la misma marca). Armado con mi MacBook, preparé un negativo de esta foto:




Este fue el inicio de una gran tarde de fracasos. Todas las pruebas (todas), generaron copias (casi) completamente negras. Daba igual el tiempo utilizado, tanto en exposicion (entre 30 segundos en la primera prueba, hasta un par de ellos en la ultima), como en revelado: al poco tiempo de meter el papel en la cubeta la imagen se volvía negra, sin posibilidad de control. Pensé en olvidare del tema cuando me di cuenta que quizá la culpa era del Mac y su maravillosa pantalla retroiluminada. Para los profanos, esto significa que incluso el negro tiene iluminacion, por lo que vela el papel... Primera conclusión: los Mac no sirven para este proceso...

Aunque pensé en abandonar, un par de semanas después me planteé mejorar las pruebas. Como me daba un poco de pereza mover la pantalla de mi PC de sobremesa al laboratorio, probé con el iPad, aparentemente menos luminoso. Aqui dió comienzo una tarde de esperanza :)

La configuraciónpara el iPad consistió en poner la imagen negativa como imagen de partida (la que se ve cuando se enciende), y tratar de encenderlo durante un segundo, aproximadamente. Tras 15 segundos de revelado, la imagen resultante era esta:



Ya se que no es como para tirar cohetes, pero os puedo asegurar que, en ese momento, tuve la misma sensacion que cuando obtuve mi primera imagen en el cuarto oscuro, hace más de treinta años. La cosa parecía que funcionaba y aunque se veía "un poco" desenfocado era un primer paso. El desenfoque, sin duda, se debe a la distancia que hay entre el punto donde se crea la imagen y la parte exterior de la pantalla tactil. En todo caso decidí hacer más pruebas, y trate de ver que pasaba cuando la imagen tenía un filtro amarillo (para conseguir menos contraste) o un filtro magenta (para conseguir el máximo contraste). En ambos casos lo hice poniendo una capa de color solido al 20%. Los resultados permiten ver que sí hay un efecto de contraste cuando se usa el filtro, especialmente si nos fijamos en las tejas de la derecha.




Ya metidos en harina, y puesto que Antonio Graell afirmaba que el sistema parecía funcionar mejor con retratos que con paisajes, cambié de foto y generé el negativo digital de esta:




El resultado fue el siguiente:



Ya no podía terminar el proceso sin probar con una pantalla plana que tuviera poca distancia entre la imagen y la cara exterior. No quedaba más remedio que usar la del ordenador de sobremesa. La cosa no fue tan terrible como podía parecer: simplemente exponía en una habitación y me llebava los papeles a revelar al cuarto oscuro, bien protegiditos en su bolsa negra de origen.

Aquí sí que pude considerar que la cosa había funcionado bien. Las dos fotos siguientes estan obtenidas a partir del "negativo" original, la primera, y del negativo con una capa gris para disminuir el brillo y evitar un contraste tan duro, la segunda:




Como conclusión, se trata de un proceso realmente curioso que aún requiere bastantes más experimentos, pero que puede permitirnos generar imágenes diferentes de las que estamos acostumbrados a ver, y por lo tanto, interesantes. La magia de la fotografía química manual estaba precisamente en la dificultad (casi imposibilidad) de obtener dos copias iguales. Este proceso nos puede acercar a ese tipo de fotografía desde la cámara digital. Solo es cuestión de seguir investigando.

martes, 5 de enero de 2010

Sobre microenfoque

Bueno, despues de varios días de navegación por algunas decenas de páginas, lectura de foros, pruebas, cabreos y alegrías, he conseguido (creo) dejar mis objetivos ajustados a mi cámara haciendo uso del microenfoque. Esto del microenfoque es una "habilidad" que tienen algunos cuerpos para permitir el ajuste fino del enfoque de sus objetivos. Según parece, hasta el momento se puede hacer con las siguientes cámaras: Canon 1DMkIII, 1DMkIV, 1DsMkIII, 5DMkII, 50D, 7D, Nikon D3, D3x, D300, D700, Sony A900 y Pentax K20.

Fundamentalmente he utilizado la plantilla de Traumflieger que podeis encontrar aqui, y aplicado la metodología de LensAlign (R). La plantilla de Traumflieger tiene dos defectos fundamentales: el primero que la informacion esta en alemán... y el segundo que hay que enfocar sobre el pajarito del centro de la plantilla, que está en una superficie inclinada, y despues de muchos disparos, os aseguro que ni con trípode y disparador se enfoca siempre en el mismo sitio...

Al grano:
  1. Tomais la plantilla, la recortais y la pegais de acuerdo con las instrucciones. Tranquilos, porque aunque están en aleman, todo el que haya hecho un recortable en su vida puede hacerlo.
  2. Poneis la plantilla en un lugar recto y la cámara en un trípode.
  3. Si el objetivo lleva estabilizador, quitadlo.
  4. La cámara no debe tener inclinación alguna (en la CANON EOS 7D, es fácil de ajustar por el nivel electrónico que lleva...) y el centro del objetivo debe apuntar al pajarito.
  5. Fijad el modo de enfoque en el punto dentral (lo más fino que podais). Ajustad la apertura al máximo (mínima profundidad de campo) y medid la velocidad para que la foto salga correcta ;)
  6. Haced una foto y mirar en la pantalla agrandando la imagen lo suficiente como para ver si la cámara tiene frontfocus (enfoca antes del pajarito, viéndose la parte de abajo más enfocada que la de arriba) o backfocus (lo contrario). Ojo, porque el enfoque no es simétrico y si enfocamos en un punto, hay mas distancia enfocada hacia detrás que hacia delante..., por lo que puede parecernos que tenemos backfocus y no ser así.
  7. Una vez detectado si tiene frontfocus o backfoucs, comienza el baile de menus... En la CANON EOS 7D debeis ir al menu de funciones personalizadas, C.Fn III (Autofoco/Avance), y dentro de éste, funcion 5. Ahí podereis elegir si haceis el ajuste común para todos los objetivos de la cámara o individualizado. Yo he hecho esto último, porque unos objetivos tenían frontfocus y otros backfocus.
  8. Ajustar el valor de microenfoque a +5, +10, +15 y +20, o -5, -10, -15, -20, repitiendo el paso 6 para cada uno. Si dudais si está hacia un lado o hacia otro, haced -10, -5, 0, +5 y +10.
  9. Si el objetivo es un zoom, habrá que hacer el proceso dos veces, en ambos extremos del zoom.
  10. Sacad la tarjeta e id al ordenador. Si tirasteis en JPG, abridlas en PS. Si tirásteis en RAW, reveladlas todas con los mismos parámetros y generad los JPG.
  11. Abrid todos los ficheros en PS y aplicarles un filtro de relieve (Filtro / Estilizar / relieve) para que nos ayude a detectar las zonas enfocadas. Si comenzais en la primera foto (con microenfoque a 0) y vais cambiando a las siguientes (+5, +10, +15 y +20 o -5, -10, -15, -20, con Control-Tab) vereis como el enfoque se acerca o se aleja. La ida es que el pajarito (la zona del 0 en la regla) esté enfocado y que haya más parte enfocada detras que delante.
  12. Si lo necesitais, podeis hacer nuevas fotos con un ajuste fino (de +1 en +1 o -1 en -1) alrededor del mejor valor, aunque a mi me ha resultado muy dificil detectar cambios a ese nivel...
  13. En el caso de los Zooms, es posible que el ajuste no esté en el mismo punto para los dos extremos. Yo he optado por una solucion de compromiso, intermedia entre los valores obtenidos.


Estos son algunos ejemplos de mi proceso, para el Sigma 18-200 DC OS.

En primer lugar a 18mm



Imagen original: Como se puede apreciar, un frontfocus brutal...




Imagen con microenfoque en +10: Bastante arreglado (el ajuste fino me sugería +12)


Ahora, a 200mm



Imagen original: Se aprecia peor, pero tambien tiene frontfocus




Imagen con microenfoque en +10: algo mejor (con el ajuste fino no he sido capaz de apreciar mejoras...)


Al final, despues de algunos ajustes, la cosa ha quedado así:
  • Sigma 18-200 DC OS: +11
  • Canon 10-22: -5
  • Canon 100 macro: +10


Para acabar os diré que he probado otros métodos, como el de enfocar al monitor que sugiere Vampyressa en http://www.canonistas.com/foros/7d/176042-microfoco-en-7d-3.html#post1763497, o el que podeis encontrar en http://www.northlight-images.co.uk/article_pages/cameras/1ds3_af_micoadjustment.html. Con el primero no he sido capaz de hacer nada, y el segundo me ha resultado igual de bonito que de inutil... Es bonito porque juega con interferencias en las imágenes, pero tras hacerlo, he conseguido aumentar el backfocus de mi 10-22 considerablemente (!!). Si a alguien le sirve, pues bien está, pero a mí, desde luego no.

Bueno, ya está bien, que creo que es el post mas largo que he hecho... por lo menos espero que el rollo que os he metido hoy os sea de utilidad...