Adriana Lestido en Guadalajara

Debo reconocer, y así se lo dije a ella misma el día de la inauguración, que no conocía a Adriana Lestido...

Sin embargo, recibir una invitación para la inauguración de una exposición en el Museo Provincial de Guadalajara en la que Adriana expone su obra junto a Chema Madoz, era un aliciente suficiente como para que investigara quién es esta mujer. Y me encontré con una fotógrafa impactante.

Antes de seguir, os invito a que entréis en su web y naveguéis por sus fotografías. Es prácticamente seguro que reconoceréis, al menos, una de las que aparecen en el índice de imágenes: esa "Madre e hija de Plaza de Mayo" en la que puedes oír sus gritos pidiendo la vuelta de un marido, un padre, que nunca llegará.

En la exposición, que lleva por título "Ellas, nosotras, vosotras", encontrareis esa fotografía, junto con otra imagen también muy conocida: "La salsera". Entre ambas fotos, la primera y la última del recorrido que hace la autora a través de la vida de la mujer, se muestran fotografías de 'Mujeres presas', 'Hospital Infanto Juvenil', 'Madres adolescentes', 'Madres e hijas' y 'El amor'. Un conjunto de series que te impactan y te introducen en un entorno en el que la fotógrafa es una más, donde no detectas su presencia, salvo porque sin ella no podrías disfrutar de ese momento.

Inauguración de la Exposición. Adriana Lestido es la segunda por la derecha.

La exposición, que forma parte de PhotoEspaña 2017 y ha recorrido ya otras localizaciones de Castilla la Mancha, termina su recorrido en Guadalajara, y puede verse en el Sala de Linajes del Palacio del Infantado, en la primera planta del edificio y estará hasta el 14 de enero. El museo abre de martes a sábado de 10:00 a 14:00 h. y de 16:00 a 19:00 h. Los domingos, de 10:00 a 14:00 h. La entrada es gratuita de martes a viernes por la tarde y los fines de semana.

Agustí Centelles en la colección de libros de fotografía de El Pais

Con el libro de Agustí Centelles, la colección de libros que ha venido publicando El País cada domingo ha llegado a su fin. Cabe la posibilidad de que alguien eligiera este autor para esta fecha en el momento de planificar la colección. Se que puede parecer difícil de creer, pero es que yo no creo en las casualidades.

La colección ha ido recorriendo a algunos de los mejores fotógrafos españoles de nuestra historia. Hemos podido ver a Chema Madoz, Francesc Català-Roca, Alberto García-Alix, Isabel Muñoz, Joan Fontcuberta, Ramón Masats, Ouka Leele, Cristina García Rodero, José Ortiz Echagüe, Alfonso, Carlos Pérez Siquier, Colita, Xavier Miserachs, José Manuel Navia, Pablo Pérez-Mínguez, Rafael Sanz Lobato, Gabriel Cualladó, Alberto Schommer, Leopoldo Pomés y Agustí Centelles. Como os decía, lo mas granado de este arte. Si no los tenéis y queréis conseguir todos o alguno de ellos, en este enlace está la información.

La edición de los libros ha corrido a cargo de PhotoEspaña, con ayuda de La Fábrica, y, de hecho, tienen un fuerte aire a la colección de PHotoBolsillo. Salvo el primero, con el que tuve algún problema con el encolado, todos los demás parece que aguantan suficientemente.

Pero os decía que yo no creía en las casualidades y el último libro de la colección ha conseguido sobrecogerme. Para los que no conozcáis a Agustí Centelles, fue uno de los fotógrafos que hizo visible la parte mas dura de nuestra guerra civil, en particular desde el bando de las fuerzas leales a la República (aunque algunos solo eran leales a una parte, otros a otra... y así nos fue a todos, pero eso es otra historia). Algunas de las fotos mas fuertes del libro fueron tomadas en Barcelona en los primeros días de la contienda. Eran épocas en las que la muerte se mostraba con toda su crudeza en las imágenes. La autocensura no se llevaba mucho...

Al ver esas escenas se me ha ocurrido publicar una fotografía abstracta realizada en La Sagrada Familia. Las sombras acechan en la imagen, pero la potencia de la luz y la fuerza del lugar, las contrarrestan.

Os pediría que no os fijéis mucho en los detalles técnicos. Es una foto tomada el 11 de mayo de 2007 con mi primera cámara réflex digital (una Canon EOS 400D y con el objetivo del kit -ese "magnífico" 18-55 f/3.5-5.6-), cuando aún no sabía lo que era un fichero RAW. El zoom se fijó en 43 mm, la apertura en 7.1, la velocidad en 1/60 y el ISO en 200.

Solo espero que la publicación del libro haya sido una casualidad, y que esas escenas no vuelvan a verse nunca más.

Fotógrafos: Miguel Bergasa

Leyendo los artículos de Gema S. Nájera (Gemalamirada) en Xatakafoto he descubierto a unos cuantos fotógrafos que no conocía. A veces, incluso, me sorprendo por no conocer a algún fotógrafo que es muy probable que vosotros conozcáis más que de sobra. En todo caso, y como puede haber lectores de este blog que tampoco hayan visto la fotos del fotógrafo que traigo hoy aquí, me he decidido a hacerlo.

Miguel Bergasa es un maestro del reportaje fotográfico. Me encontré por primera vez sus fotos en ese post de xatakafoto del que os hablaba, y me parecieron más que interesantes. Luego me metí en su blog, y lo interesante se torno en excelente... Sus reportajes sobre Cuba, Panamá, los Menonitas de Paraguay, La india o los Sanfermines (como buen pamplonica), entre otros muchos, son realmente buenos. Y para demostrar que en esto de la fotografía, uno puede "hacerse" pero lo mejor es nacer con el don de ver la imagen, os recomiendo que echéis un ojo al reportaje de Madrid, 1975. En ese momento, Miguel se declara principiante en su interés por la fotografía, mientras estudiaba en la E.T.S. de Ingenieros de Telecomunicación (donde yo me formaría media docena de años después, casualidades de la vida). Si cuando estaba empezando era capaz de hacer estas fotos, imaginaos lo que es capaz de hacer con la experiencia.

En la sección documentales tiene enlaces a algunos que ha realizado para TV, y en la de libros, te enlaza directamente con issuu, donde podéis leer/ver una docena de libros con las colecciones completas de algunos de sus trabajos.

Os dejo la imagen de la portada de su página web (espero que no se me enfade), y si pincháis en ella, os adentraréis en un viaje a través de los ojos de Miguel Bergasa, que os auguro placentero.

Rinoceronte, de Johan Georget

Creo que ya he escrito alguna vez en este blog que una prueba de que el universo está en expansión desde el big bang, es que tiene que seguir cabiendo el ego de los fotógrafos. También la envidia... En este caso me voy a referir a la envidia sana: la mía.

Hace unos días se publicó una fotografía de Johan Georget que me tiene con la boca abierta desde entonces. Aparentemente la cosa es muy simple: un animal bebiendo en una laguna. La gracia es que el animal es un rinoceronte, en un contraluz perfecto, que se refleja en esa laguna dejando una imagen que merecerá, sin duda, muchos premios a su autor.

De momento le sirve para justificar el esfuerzo de 6 meses, y 18.000 Km por tierras africanas, que no está mal. Durante ese tiempo ha visitado 12 países y ha hecho mas de 30.000 fotografías (solo esto merecería un capítulo aparte en el tema de la envidia). La foto en cuestión está hecha en el Parque Nacional Ethosa, en Namibia. Una vez localizado el lugar, tuvo la intuición (esa intuición que se obtiene habiendo trabajado mucho) de que algo podía pasar en un lugar como ése. El día que tomó la foto estuvo 7 horas esperando a que sucediera algo, sin éxito hasta ese momento. Cuando ya se iba a ir, el rinoceronte llegó y se introdujo en la laguna para beber agua. Un disparo y la foto estaba hecha.

Por aquello de los permisos, voy a aprovechar que es la foto con la que abre su página web para poner la imagen de la ventana del navegador y redirigiros allí para que podáis ver más fotos, porque no penséis que esta foto ha sido fruto de la casualidad...

Fotógrafo: Javier Bragado

Hace unas semanas os presenté a Juan Perez Fajardo. En el post en cuestión, os anunciaba que en breve os presentaría otro fotógrafo de conciertos que me gusta y que me inspira. Ese es Javier Bragado.

Si para mi, el primero es un fotógrafo tranquilo, Javier logra transmitir la música y el ritmo en sus fotografías. Es un fotógrafo mas rock que pop, gran conocedor de este entorno, y autor de un montón de fotografías que no te dejarán indiferente.

¿Qué es lo que podéis aprender viendo sus fotos? En primer lugar que la luz es algo fundamental. Ninguno de los rayos que se ven en sus fotografías están ahí por casualidad. Son fruto de una planificación: de saber ver el entorno, de conocer las canciones, de detectar el ritmo que hay en las luces, de buscar la ubicación y de esperar el momento. El momento dura un instante, pero si el fotógrafo está en el lugar correcto y preparado para disparar, el resto es fácil. En esto consiste el trabajo de Javier: en saber cual es el momento exacto para que la foto sea la que él ha pensado.

Por supuesto, la complicidad con los cantantes o los intérpretes es muy importante, y Javier la tiene con todos ellos. Una mirada cómplice dará siempre ese punto extra a la foto, pero el momento decisivo también aparece en los escenarios.

Como suelo hacer, os dejo la portada de su cuenta de flickr (espero que nadie se enfade por temas de copyright), y os animo a que paséis un rato escuchando a cualquiera de los grupos fotografiados (o a vuestro grupo rock favorito) mientras avanzáis por las imágenes. Os aseguro que vais a disfrutar.

Fotógrafo: J. G. Damlow

A pesar del nombre, que puede llevarnos a pensar que estamos ante un fotógrafo del otro lado del charco, Javier González "Damlow" es español. Cuando vi sus fotos de fotografía callejera por primera vez, tenían algo que me gustaba. Reconozco que aún no sabía lo que era, aunque poco a poco fui descubriendo lo que él mismo confirmaba en una charla que dio hace unos días en Guadalajara, organizada por Nacho Abascal en la sede de la Asociación de la Prensa: a J.G. Damlow le importa la composición en sus fotografías.

Eso es lo que me llama de sus imágenes, porque yo mismo soy un convencido de la necesidad de que las fotos que tomemos sean plásticas. Personalmente creo que, aunque captar el momento es importante, también lo es que lo captado sea impactante. Y una buena parte de ese impacto lo consigue la composición que tenga la fotografía.

Aunque se que hay muchos fotógrafos, entre ellos algunos amigos míos, que anteponen el momento a la composición o, incluso, al enfoque, yo pienso que todo es fundamental. Y eso es lo que busca nuestro fotógrafo de hoy.

Para que veáis de lo que hablo, le he pedido permiso para poner aquí algunas de sus fotos. Las dos primeras las podéis localizar en su Flickr, mientras que la tercera me la ha enviado expresamente para que la pueda publicar aquí, porque es la que mas me gusta de todas.

De hecho, si visitáis su galería os encontraréis con que Javier es un fotógrafo de paisajes, en el sentido más amplio del término. Probablemente por eso la composición es tan relevante en sus "paisajes urbanos", donde las personas toman el papel protagonista junto al entorno que les rodea: la fotografía callejera. Si veis sus fotos pensando en el "paisaje social" que muestran, entenderéis porque son como son.

Además, como buen paisajista, es más de los que le gusta la "pesca" (localizar el lugar y esperar a que la fotografía se presente), que la "caza" (caminar en busca de la imagen). Aunque práctica ambas, la dificultad de la primera le da un valor a sus fotografías muy alto...

Para terminar, J.G. Damlow comparte con todo el que quiera sus conocimientos. Podéis encontrarle en twitter, Facebook y otras redes sociales. Pero sobre todo, en sus blogs (fuji-xperience y crónica de un fotógrafo), donde nos habla del sistema X de Fuji, y nos cuenta cómo dejó un trabajo estable (de esos que vuestra madre querría para vosotros) por la fotografía. Con sus riesgos, pero también con sus recompensas. Hace ya algún tiempo que tengo ambos blogs como lugares de referencia. Estoy seguro de que si no los conocíais, os van a gustar.

Y por cierto, si veis un anuncio como este:

no dejéis de ir. Las cámaras merecen ser probadas, y la charla de Javier, es estupenda.

Fotógrafo: Juan Perez-Fajardo

Hoy os traigo otro de los fotógrafos que me inspiran, aunque sea en un tipo de fotografía que practico muy de tarde en tarde (o mejor dicho, muy de noche en noche).

Conocí a Juan Pérez Fajardo en Mayo de 2012, en una conferencia que dio en el Espacio TYCE de Guadalajara. Hasta ese momento yo había hecho muy pocas fotografías de conciertos (algunas -muy malas- en mis tiempos mozos, en los conciertos del Nuevo Mester de Juglaría, al tiempo que coreábamos aquello de "Castilla, entera, se siente Comunera"...). Debo reconocer que fui con poca convicción, impulsado más por ese espíritu de seguir aprendiendo cualquier cosa en este mundo de la fotografía, que porque fuera a serme de algún provecho real...

Lo que descubrí, y que rápidamente captó mi atención, es que Juan no es solamente un fotógrafo de conciertos. Es un fotógrafo de personas. No solo nos muestra a los cantantes e intérpretes en los escenarios, sino que es capaz de mostrarte sus sentimientos en el backstage, en el camerino o, simplemente, tomando una caña en un bar. Además, trabajó una temporada con Eva Amaral y Juan Aguirre haciendo las fotos del disco "Hacia lo salvaje". Los que han montado conmigo en el coche ya saben que tengo cierta predilección por Amaral, así que Juan consiguió que le escuchase muy atento de manera inmediata.

Al tiempo que nos contaba como había hecho esta o aquella fotografía, crecía mi interés por conseguir esas imágenes tan difíciles por lo efímeras que son, apenas el tiempo de hacer click, pero que pueden ser planificadas si conoces bien cómo se comporta el grupo o la persona a la que estas fotografiando. Todo un reto para una cabeza cuadrada como la mía :)

Juan no es solamente un fotógrafo de conciertos.
Es un fotógrafo de personas.

El caso es que Juan tiene una buena parte de culpa de que me guste hacer fotos de conciertos, aunque sea con grupos aún modestos como la Saturday's Blues Band, que podéis encontrar en este enlace. Y sin duda es uno de los culpables de que esas fotos no sean un absoluto desastre, como sin duda habrían sido si me hubiera atrevido a hacerlas sin ningún conocimiento previo...

Digo que es uno de los culpables porque un año después asistí a otra conferencia de otro fotógrafo de conciertos, al que traeré a este blog en unas semanas. De momento, os dejo con la imagen de la portada de Flickr de Juan, para que naveguéis por sus álbumes y apreciéis el auténtico arte de este fotógrafo.

Fotógrafo: Markus Hartel

Dicen que la auténtica fotografía callejera debe hacerse en New York...

Probablemente es allí donde han aparecido algunos de los fotógrafos callejeros más conocidos. También es donde Markus Hartel ejerce su talento.

Antes de hablar del fotógrafo que os traigo en este post, y para aquellos que no sepáis de que va esto de la fotografía callejera, quizá convenga hacer una breve introducción. ¿De qué va todo esto?. El propio Markus hace una definición en su web:

A reflection of every day life – real, unaltered impressions of public places, places that everybody visits every day, the street where you live, the parking lot of your favorite grocery store, the subway. Street photographers document the truth – take candid pictures of things that you don’t notice in your daily grind.

Un reflejo de la vida diaria – impresiones reales, inalteradas de lugares públicos, lugares que todo el mundo visita todos los días, las calles en las que vives, el aparcamiento de tu tienda favorita, el metro. Los fotógrafos callejeros documentan la verdad – hacen fotografías de cosas que ni siquiera ves en tu rutina diaria.

Como veis, se trata de hacer arte a partir del mundo real, con fotografía sin preparar, pasando desapercibido, mezclándose con la multitud, captando el día a día, transmitiendo emociones, deseos, frustraciones... la vida misma.

Os aseguro que no es nada fácil, y que hay pocos fotógrafos que consigan emocionar con este tipo de fotografía. Pero los que lo consiguen, merecen todo mi respeto... Markus Hartel es uno de estos fotógrafos, al que descubrí a partir de un post de Xatakafoto hace unos cuantos años, justo cuando comenzaba a descubrir que existía gente que hacía este tipo de fotografía, en una época en la que trataba de que en mis fotos no apareciera nunca nadie. En aquel momento aún tenía activa su cuenta de flickr, y recuerdo pasar algunas horas recorriéndola, descubriendo ese nuevo tipo de fotografía que aparecía ante mí.

El tiempo ha pasado, y la fotografía callejera es de lo que más me divierte, por su dificultad, y por lo que se puede llegar a transmitir con ella. Y en buena medida se lo debo a este buen hombre, sin duda, sin que él tenga ni idea.

Aunque ya no tiene activa la cuenta de flickr, podéis ver sus fotos en su propia web, en la que he buscado la primera foto suya que vi.

Una cosa que me gusta mucho de Markus es que no es un talibán del blanco y negro. Los puristas afirman que la auténtica fotografía callejera debe hacerse en blanco y negro. Él combina perfectamente estas fotografías con imágenes en color, en las que lo que importa es la transmisión del mundo real. Para no interferir en la escena, rara vez se lleva el visor a los ojos. Casi todas sus fotografías las dispara con la cámara colgando del cuello, o procurando en todo caso, pasar desapercibido.

Espero que este fotógrafo os guste tanto como a mí.

Fotógrafos: Sebastião Salgado

Aprovecho la exposición que hay en Madrid para presentaros a otra bestia de la Fotografía. Sebastião Salgado nació en Brasil a mediados de los 40, y hasta los 70 no entra en este mundillo. Pero lo hizo por la puerta grande, ya que al final de esa década comenzó a trabajar en la Agencia Magnum. En la actualidad tiene su propia agencia, lo que le permite dedicarse a lo que realmente le gusta: una fotografía comprometida con el medio ambiente y con las personas que aún viven directamente intrincados en él. Eso es lo que muestra en Génesis, la exposición que podéis ver en Caixaforum hasta el 4 de mayo, en el Paseo del Prado, 36 de Madrid. Confío en que posteriormente pueda verse en otras ciudades, porque merece la pena...

En el recorrido por las más de 250 fotografías, para las que os recomiendo que reservéis un par de horas, nos presenta el mundo en su estado más natural, recorriendo la Antártida, la Amazonía, la península de Kamchatka, Papúa-Nueva Guinea o África. Ninguna de las imágenes te deja indiferente. Todas ellas tienen un enorme impacto visual con un Blanco y Negro perfecto. Debo decir que es de las exposiciones de fotografía que más me han impresionado, si no la que más.

Es particularmente interesante el proceso de creación de las fotografías, que tenéis descrito con detalle en este enlace. Sebastião Salgado comenzó este proyecto con una Pentax 645, de medio formato, con negativos 220 de 6x4,5. Eso le obligaba a llevar en cada viaje unos 600 rollos, con un peso de 30Kg a añadir al del equipo. Los 600 rollos permiten a Sebastião realizar más de 14.000 fotografías. Una vez revelados los negativos, se generan copias de contacto, de las que se hace una primera selección de más de 2000, que se revelan a 13x18. El juego de referencia o juego maestro del reportaje lo constituyen unas 200 fotografías que se amplían a 24x30. De ellas saldrán alrededor de 50, que se amplían a 30x40.

La escasez de negativos y, sobre todo, la pesadez de pasar controles en los aeropuertos, con lo que supone para los negativos el abuso de los Rayos X, le hacen plantearse la necesidad de dar el salto al mundo digital. Lo hace a finales de 2008, con una buena parte del proyecto ya hecho, y con la necesidad de mantener una homogeneidad entre las fotografías. Tras hacer unas pruebas de comparación entre la Pentax 645 y la Canon 1Ds Mark III, ve que las copias digitales impresas no tienen el mismo aspecto que las químicas, a pesar de la calidad del formato RAW y de la comodidad de no tener que cargar con tanto peso en negativos.

Para resolverlo, el proceso final incluye la generación de un negativo de 4x5 pulgadas, una vez procesado el RAW para meterle el grano de manera artificial. Las copias de contacto, las de 13x18 y los juegos maestros de 24x30 se imprimen, mientras que la fotografía final, sigue realizándose por procedimiento químico.

Durante todo el proceso, Sebastião Salgado no mira ni una sola vez el resultado de una fotografía en el monitor. El papel es el único soporte que maneja...

Por cierto, allí mismo (o en Amazon) podéis encontrar el libro de la exposición. Hay tres versiones... y os recomiendo comprar la barata, que es la que tengo yo y que os muestro en las fotos de abajo. Por menos de 50€ tenéis una auténtica maravilla en vuestras manos. Si sois muy sibaritas, y tenéis 3.000€, la edición de lujo puede ser vuestra. Preparaos a acoger en casa dos tomos de casi 50x70 cm. Tranquilos, porque vienen con un atril del tamaño adecuado, para que podáis tener el libro abierto en casa y admirarlo de continuo. El nivel máximo de sibaritismo lo podéis alcanzar con una edición limitada (en realidad son cuatro ediciones de 100 ejemplares cada una), que incluyen, además, una impresión en gelatina de plata de una de las fotografías. Solo serán 8.500€... Por mi parte como os decía, me he conformado con la edición barata, que aunque por comparación pueda parecer de baja calidad, os puedo asegurar que no es así, y que realmente merece la pena.

La única pega que podemos ponerle al libro es que la mayoría de las fotos son apaisadas, y ocupan ambas páginas, con lo que es divicil apreciar la parte central. En todo caso, yo se lo perdono...

Para terminar, os recuerdo que este no es, ni mucho menos, el único trabajo de este fotógrafo. Podéis encontrar otros libros de Sebastião Salgado en este enlace.

Fotógrafos: Chema Madoz

Con Chema Madoz inauguro esta sección sobre fotógrafos que me inspiran. Quizá debería decir que, en este caso, me inspira como fotógrafo, pero, sobre todo, me inspira mucho respeto, porque gustándome sus fotografías como me gustan (muchísimo), jamás me he atrevido a hacer nada parecido. Si no le conocéis (lo que dudo), no dejéis de pasar por su web:

Chema Madoz hace fotografías auténticamente sorprendentes. A partir de objetos cotidianos, con los que nos tropezamos todos los días, produce auténtica poesía visual. Ninguna de sus fotos te dejará indiferente: un nudo en la madera puede ser la llama de una cerilla, una alcantarilla, un escurreplatos, y una pipa puede convertirse en una flauta. Nada es lo que parece en la enorme creatividad de este hombre.

Además de las fotos que presenta en la web, tiene una sección de libros. Yo conozco algunos, y son muy interesantes. Si os gusta tener libros de fotografía, tener al menos uno de Chema Madozes casi obligatorio. Como opción buena, bonita y barata, os recomiendo el de La Fábrica que tenéis a la derecha.

Para terminar, hace algún tiempo se emitió un reportaje de una hora de duración en La 2. Si no lo habéis visto, os lo dejo al final del post. Además de ver cómo hace las fotos, podréis ver otro detalle: todas sus fotos siguen siendo "analógicas", con revelado químico. La parte del documental en la que se desarrolla el proceso de revelado es espectacular. Los que nunca hayáis estado en un cuarto oscuro, entenderéis ahora que es lo que hacéis con las máscaras en Photoshop...

No os entretengo más. No dejéis de reservar una hora, buscad un sitio cómodo, y preparaos para disfrutar del arte de este GENIO (sí, con mayúsculas).

Imprescindibles - Chema Madoz, regar lo escondido

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Fotógrafos: Nueva sección en el blog

Hace tiempo que quiero incluir una nueva sección en el blog para hablar de los fotógrafos que me gustan. Si no lo he hecho antes es, probablemente, porque no tenía claro cómo abordar el mostrar alguna de sus fotos para no infringir el copyright de cada uno. Una manera, sin duda, es pedir permiso para publicar una foto significativa del autor y con algunos lo intentaré, aunque con otros se me antoja complicado. Lo que he pensado en ese caso es hacer una captura de pantalla de su página web, enlazando directamente a ella. espero que eso no le moleste mucho. En todo caso, si así me lo pide, borrare la entrada, y punto. No pretendo ningún tipo de "fama" a costa de su trabajo...

Por aclarar conceptos, la idea no es hacer una historia de la fotografía, ni una enciclopedia de los 100 mejores fotógrafos, ni nada parecido. Simplemente quiero compartir con vosotros los fotógrafos que me inspiran. Unos dejaron de hacer fotos hace muchos años, otros las siguen haciendo, a algunos no les conozco personalmente (ni creo que lo haga nunca) y otros son amigos, unos hacen fotografía callejera, y otros apenas hacen fotos en las que salgan personas... En fin, que no pienso seguir un patrón concreto.

Lo que sí tengo claro es con quien empezaré. No le conozco en persona, aunque no desespero. Para mí es uno de los mejores fotógrafos españoles actuales, y quizá de todos los tiempos. Los que me conocéis personalmente, probablemente ya sabéis quién es; otros lo podéis imaginar, y otros no tendréis ni idea... En todo caso, os dejo con la intriga.